ART DECO

Die Entstehung des Art Déco: 

Der Stil, der später als Art Déco bekannt wurde, hat seinen Ursprung in der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts führten viele Faktoren zu einem abrupten Wandel in der Mode. Der Modeschöpfer Paul Pointe beispielsweise revolutionierte das Kleidungsdesign, indem er die weibliche Figur von einengenden Kleidungsschichten befreite. Serge Diaghilews Aufführungen der Ballets Russes in Paris im Jahr 1909 und in den Vereinigten Staaten im Jahr 1916 sorgten für einen weiteren Einfluss, sowohl durch die Einführung leuchtender Farben in die triste Modewelt als auch durch ihre Betonung des Orients. Neue Kunstrichtungen wie Kubismus, Futurismus und Neoplastizismus trugen dazu bei, neue Konzepte im Schmuckdesign zu schaffen, die nach dem Ersten Weltkrieg mit erneutem Interesse aufgegriffen wurden. 

Der Geist des Art Déco war der Geist der Moderne. Obwohl ältere Stile für den eigenen Gebrauch adaptiert wurden, war es immer noch der Stil des Neuen. Es war der Stil der Zeit, der nicht stillstehen wollte und sich nach seinem Inhalt, seiner Bedeutung und oft auch nach seinem Thema an diese Zeit richtete. Art Déco war vielleicht der moderne Stil, aber er entstand aus so vielen verschiedenen Richtungen, wie es Anwendungen gab. 

Der größte Zusammenschluss des Art Déco fand in der Weltausstellung von 1925 in Paris statt. 

Die 1920er Jahre waren eine Zeit außergewöhnlicher Vitalität und kultureller Innovation und erlebten eine beispiellose Revolution in allen Bereichen der Künste. Beschleunigt durch die Kriegsjahre begann der Übergang zu einer entschlossenen Moderne, die Malerei, Bildhauerei, Mode und Schmuck umfasste und es entstand ein neuer künstlerischer Stil, der radikal, dynamisch und schön war. 

Er wurde als Art Déco bekannt. 

Art Déco verdrängte die extravaganten Formen und vergänglichen Schattierungen des Jugendstils und stellte eine Rückkehr zur Einfachheit und Strenge dar. Im Schmuck findet Art Déco vielleicht seinen herrlichsten Ausdruck. Im Art Déco fand Schmuck eine praktisch unbegrenzte Quelle der Erneuerung. 

Der Begriff „Art Déco“, der sich von der 1925 in Paris abgehaltenen Exposition des Arts Décoratifs et Industries ableitet, wird in etwas vereinfachter Form zur Beschreibung der vielfältigen Entwicklungen verwendet, die in der Welt des Designs zwischen den beiden Kriegen stattfanden.

Jährliche Salons und internationale Ausstellungen spielten eine wesentliche Rolle bei der Entwicklung der angewandten Kunst. Sie stimulierten kreative Energien und bestätigten ihre Existenz und machten gleichzeitig die neuesten Kreationen einem breiteren Publikum, sowohl in Frankreich als auch im Ausland, bekannt. 

Die „ Exposition Internationale des Arts Décoratifs “ von 1925 in Paris bleibt ein beispielloses Ereignis in den Annalen der Schmuckgeschichte, und 1929 folgte eine „Exposition de Joaillerie at Orfèvrerie“ im Palais Galliéra. Die Idee, in Paris eine „ Exposition Internationale des Arts Décoratifs “ zu organisieren, wurde bereits 1907 diskutiert. Herr Roger Santo, Uhrmacher- Schmuckjoaillier, nahm sich der Sache an, doch das Projekt wurde abrupt durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs gestoppt. Nach dem Krieg wurde die Idee, die Ausstellung zu veranstalten, erneut aufgegriffen, teilweise auch in dem Versuch, die vier dazwischen liegenden Jahre des Albtraums zu vergessen.“ 

Ermutigt durch den Erfolg dieser Ausstellung und die Unterstützung des Publikums erlebte der Schmuck zwischen 1926 und 1928 eine beispiellose Ära des Wohlstands. Die jährlichen „Salons des Artistes Décorateurs“ und die „Salons d'Automne“ erlebten eine zunehmende Vitalität in den Kreationen der Juweliere. Die uneingeschränkte öffentliche Unterstützung inspirierte und förderte eine größere Unabhängigkeit von der Vergangenheit und einen mutigeren Ansatz: die Schüchternheit, die in den Kreationen von 1925 immer noch zum Ausdruck kam, nahm ab und wich dem Einfallsreichtum und den Grenzen der Vorstellungskraft. 

Diamantschmuck im Art Deco:

Der Diamant herrschte an oberster Stelle. Sehr beliebt waren die Regenbogenfarben, das kühle Platin, das Weiß von funkelnden Diamanten, das Schwarz von Jet, Onyx und Emaille. Die Ausstellung war sowohl beim französischen Publikum als auch bei Besuchern aus dem Ausland, die zu der Saison nach Paris strömten, ein großer Erfolg.

Als die 20er Jahre in vollem Gange waren, konnte sich Anita Loos, Heldin Lorelei Lee an Generationen ihrer Vorgängerinnen erinnern, als sie feststellte, dass Diamanten immer noch die besten Freunde eines Mädchens seien. Doch sowohl Diamanten als auch ihre Fassungen hatten sich im letzten Viertel des 19. und im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts verändert. Während der Juwelier in den 1870er Jahren kaum mehr als Diamanten im Brillant- oder Rosenschliff zur Verfügung hatte, wurden in den folgenden Jahren verschiedene Schliffe populär, darunter Quadrat-, Smaragd-, Birnen-, Tafel-, Marquise- und Navette-Schliffe. Das Markenzeichen der 20er Jahre war jedoch der Baguetteschliff, oft in Verbindung mit anderen Schliffen oder Steinen, dessen Form und Glanz ideal zu den geometrischen Formen passten.

Auch die Fassungen hatten sich geändert. Der Juwelier des 19. Jahrhunderts musste seine Fassungen aus Gold anfertigen und Edelsteine waren im Allgemeinen in Chatons gefasst, oft foliert. Wenn Diamanten gefasst werden mussten, wurde aufgrund seiner Farbe im Allgemeinen Silber verwendet, was jedoch höchst unzufriedenstellend war, da es sowohl zu weich als auch zu anfällig für Verfärbungen war und ständig poliert werden musste. Der verstärkte Einsatz von Platin im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts hatte immense neue Möglichkeiten eröffnet. Platin war so stark und flexibel, dass Diamanten und andere Edelsteine mit winzigen Krallen festgehalten und die Edelsteine nach Belieben isoliert oder eng gruppiert werden konnten. Handwerker liebten es, Platin zu verwenden, um einzelne Abschnitte eines Schmuckstücks mit dünnen Stäben zu verbinden oder um geschmeidige, gegliederte Armbänder oder Halsketten herzustellen, die den natürlichen Kurven des Körpers des Trägers folgten. 

Als Kontrast zur kühlen Pracht von Diamant und Platin griffen Juweliere auf Emaille und schwarzen Onyx zurück. Ringe und Broschen waren mit dünnen Quadraten aus schwarzem Onyx besetzt, in die der Diamant eingelassen war. Wo es angebracht war oder die Fassung zu dünn war, um den Onyx aufzunehmen, wurde das Metall selbst schwarz emailliert. Gelegentlich wurde als zusätzlicher Kontrast ein Hauch von Farbe hinzugefügt, indem winzige Smaragde oder Rubine den Diamanten umrahmten.

Die Faszination für den Fernen Osten wurde durch die Übernahme geschnitzter chinesischer und anderer orientalischer Plaketten aus Jade, Koralle oder anderen harten Steinen in Platin- und Diamant Fassungen geweckt, während verschiedene kostbare Zigarettenetuis, Kosmetikkoffer und Puderdosen mit chinesischen oder japanischen Landschafts- oder Genremotiven verziert wurden Designs aus Emaille oder eingelegtem Perlmutt und Edelsteinen. 

Art Déco in der Zeitgeschichte: 

Vor den golden Twenties war der Westen durch den Ersten Weltkrieg praktisch zerstört worden. Aber die Katastrophe wurde zum Katalysator für grundlegende Veränderungen: In der Nachkriegswelt stand der Wunsch nach einem Neuanfang, nach einer neuen Epoche des Fortschritts und des Friedens im Vordergrund. In den 1920er Jahren hatte sich die Welt politisch verändert. In Deutschland schuf die Gründung der Weimarer Republik im Jahr 1919 ein Klima, in dem eine Institution wie das Bauhaus agieren konnte. Auch in Russland hatte die Gründung der Union der sozialistischen Sowjetrepubliken weltweite Auswirkungen. Noch später wurde in Italien und Deutschland der Aufstieg des Faschismus in Opposition zu den kommunistischen Ideen gestellt. Die Weltwirtschaftskrise, der große Einbruch und der Wall-Street-Crash trugen zu dem politischen und wirtschaftlichen Durcheinander bei, der dazu beitrug, den einzigartigen Charakter der Art-Déco-Jahrzehnte zu schaffen.

Die Depression hat den Luxusgütern einen fatalen Schlag versetzt. Nach dem Crash von 1929 wurde mehrfach verwendbarer Schmuck, der aus zwei oder mehreren Komponenten bestand zerlegt, separat verwendet und wurde somit populär. Anhänger aus zwei miteinander verbundenen Teilen, die separat getragen werden können. Tiffany & Co. entwarf eine Halskette, die entweder in einen Anhänger und zwei Armbänder oder in einen Anhänger und ein Halsband zerlegt werden konnte. 

Als sich die wirtschaftlichen Auswirkungen der Depression verschärften, zögerten die Unternehmen, neue Produkte herzustellen, die sich möglicherweise als schwierig zu verkaufen erwiesen. 

Art Déco war eine hauptsächlich französische Bewegung. In Amerika wurde der Art- Déco-Stil nur widerwillig in das Schmuckdesign integriert. Tiffany’s in New York, das führende amerikanische Schmuckunternehmen im 19. Jahrhundert, schuf traditionelle Objekte im neuen Stil, jedoch ohne die klare Kantigkeit von Boucheron oder Mauboussin.  

Im amerikanischen Schmuck lässt sich damals außerdem eine wirklich neue stilistische Entwicklung erkennen. Der gestufte Umriss erschien erstmals auf einigen Schmuckstücken, gleichzeitig mit der Entstehung des Wolkenkratzers, der die Großstädte im ganzen Land veränderte. Das erste mal trat dieser Stil auf, als das Chrysler Building und das Empire State Building in New York sich im Bau befanden. 

Der Ring in den Golden Twenties: 

Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs markiert das Ende einer Ära. Das Interesse an Luxusschmuck ließ angesichts der vernichtenden Ereignisse überall rapide nach. Die Gesellschaftsordnung und die Etikette wurden erschüttert und wichen weniger starren Haltungen. Da alle tauglichen und erfahrenen Männer auf beiden Seiten in die Armee eingezogen wurden, stellten viele Juweliere auf Munitionsfabriken um, während andere wie zum Beispiel Wilkinson’s mit Lehrlingen noch ein Minimum an Schmuck produzierten. Tiffany’s in Amerika stellte chirurgische Instrumente für die Regierung her. Von all den Schmuckformen erhielt der Ring die größte Bedeutung, oft war es der einzige Privatbesitz, den ein Soldat in der Schlacht an sich tragen oder den er seiner Liebsten als Pfand zurücklassen konnte. Nur zu oft war es der Gegenstand, der die Identifizierung einer Leiche ermöglichte. In den Schützengräben machten Soldaten hinter allen Fronten Ringe aus Draht oder Patronen. Sie sammelten ihren Gegnern abgenommene Ringe, während zu Hause viele Frauen ihre Ringe aufgrund der Aufrufe opferten, Geld zur Deckung der Kriegskosten zu spenden. 

„ ich gab mein Gold für Eisen “ war einer der Slogans. 

 Es war unvermeidlich, dass der Krieg radikale Änderungen mit sich brachte, die sich auch in den Ringen spiegelten. Das neuerwachte soziale Gewissen hinderte die Reichen daran, ihre Reichtümer zur Schau zu stellen, besonders in Deutschland nach seiner Niederlage und angesichts der allgemeinen wirtschaftlichen Krise. Sogar in den Siegerländern bewirkte die politische Gesamtlage ähnliche Folgen. Andererseits meldete sich nach der Befreiung von Kriegsdruck und Austritt ein starker Drang nach Leichtsinn und Glanz. Form und Gestaltung der Ringe wurden nun größer und kühner, man verwendete weniger teure Steine, und sogar offensichtliche Imitationen wurden gesellschaftlich akzeptabel, ja sogar modisch als Modeschmuck. Der Einfluß des Kinos und der blendenden Filmstars regte den Ehrgeiz ganzer Gesellschaftsschichten an, die die Kinomode nachahmten und den glitzernden Zierrat, der ihre Hände elegant und damenhaft erscheinen ließ, klar bevorzugten, auch wenn alles nur aus unedlen Metallen und Diamantenimitationen bestand. Natürlich blieben die Leute, die sich teuren Schmuck leisten konnten, weiterhin den berühmten Firmen Cartier, Tiffany usw. treu.

Während die älteren, bürgerlichen Damen immer noch nur ihren Ehering mit dem zunehmen beliebteren Verlobungs-Diamant Ringen trugen, schwelgten junge Backfische in den „tollen Zwanziger Jahre “ in Ringen mit übergroßen Similisteinen , die zu ihren Strass-besetzten Diamantkleidern passten, in denen sie den Charleston tanzten. 

Die Nachkriegsjahre erlaubten Jensen und seinen Mitarbeitern, die Arbeit wieder aufzunehmen und zu erweitern. De Silberschmiede von Georg Jensen waren die wohl einflußreichsten Schrittmacher im modernen Silberdesign während der 1920er und 1930er Jahre. Der Jensen-Stil wurde das ausgeprägte, bestbekannte Garantiezeichen für guten Geschmack und Gediegenheit. Er war entschieden nordisch, klar in den Linien und von plastischer Einfachheit. Der Jensen-Stil veranschaulicht die umwälzende Veränderung, die im Leben der Menschen stattgefunden hatte: Die Frauen erfreutensich eines freieren Lebensstils und kamen aus dem begrenzten Reich ihres Hausfrauendaseins heraus. 

Die Entwicklung die sich im Laufe dieser Jahre auf dem Gebiet der Künste und der Architektur ereigneten, fanden ihren Widerhall in der Gestaltung der Ringe. Kubismus, Futurismus, Konstruktivismus und die Gestaltungsgrundsätze des Bauhauses hinterließen ihre Spuren an der Ringform, wie sie auch andere kreative Kunstformen beeinflussten. Die Betonung lag jetzt mehr auf der Form als Ganzem. Abstrakte, geometrische Muster mit klar definierten linearen Wirkungen folgten den Tendenzen, die sich in der Mode, an Möbeln und Gebäuden ausdrückten. 

Der Art-Déco-Stil wurde von Künstlern ins Leben gerufen, die ganz gezielt ihr Talent auch in Bereichen funktioneller Bedeutung beweisen wollten. Sie schufen Objekte außerordentlicher Schönheit für eine wohlhabende, elitäre Kundschaft und verpflichteten erfahrene Handwerker zur Aufführung ihrer Entwürfe, oft mit seltenen und ungewöhnlichen Materialien, ohne Rücksicht auf die Kosten. Merkmale dieses Stils sind gewisse Vereinfachungen figürlicher Darstellungen, leuchtende Farbkombinationen und geometrische Muster mit klar gezogenen, kühnen Formen und Zickzacklinien.  

Der Ring gewann an Beliebtheit, als die Fabrikanten sich neue technische Verfahren zunutze machten. Die mehrere tausend Jahre alte Methode des „ Core-perdue-Gusse “ wurde ersetzt durch den Präzisionsformguss, der mit einem flüssigen Brei arbeitet, wie er 1898 von Philbrook für Zahnprothesen entwickelt worden war. Dadurch wurde es möglich, die Metallschrumpfung während des Gussvorganges zu vermeiden, was besonders wichtig war bei Gussfassungen für Steine. Der eigentliche Durchbruch in der Gusstechnik kam aber erst 1935, als Jungherren in Kanada die flexible Gummiform erfand. Sie erlaubte es, vielfache Wachsmuster komplexer Struktur in einem einzigen Guss gleichzeitig herzustellen. 

Der Siegelring war schon immer beliebt, jetzt wurde er einem anderen Verwendungszweck angepasst als der Zugehörigkeit einer Gruppe. In Amerika lässt sich die Tradition des Collegerings bis 1835 zurückverfolgen, als die Kadetten der Abschlussklasse an der West Point Militärakademie beschlossen, sie wollten den Anlass feiern, indem sie einen Ring für sie alle speziell entwerfen und herstellen ließen. 

Während des Ersten Weltkrieges gründete Lloyd G. Balfour ein Schmuckgeschäft in Massachusetts. Bald verlegte er sich auf die Herstellung dieser besonderen Ringart. Da die Sitte von den Colleges auf die High Schools, Sportclubs und Verbindungen aller Art, politisch und militärisch, übergriff, ja sogar auf Geschäftsorganisationen, floriert die L. G. Balfour Company auch heute noch. Unterdessen sind in den Vereinigten Staaten etwas über einer Milliarde solcher Ringe hergestellt worden. Die meisten sind aus Gold, 14 Karat ist üblich, mit einem ovalen Stein nach Wahl des Käufers. Der Name der Organisation oder des Clubs bildet das Motiv rund um den Stein und schließt die Jahreszahl des betreffenden Ereignisses ein. Obschon solche Ringe anfänglich vorwiegend von Männern getragen wurden, die damals den Großteil der Studenten an Institutionen höherer Bildung stellten, werden heute Klassenringe von beiden Geschlechtern getragen. Das Modell für Frauen ist eine leichtere, zierlichere Version der traditionellen Form.

Als sich die wirtschaftlichen Krisen Ende der 20er Jahre und die allgemein verschärften politischen Differenzen in den 30er Jahren empfindlich bemerkbar machten, verbreiterte sich der Abgrund zwischen teueren edelsteinbesetzten Ringen und fabrikmäßig hergestelltem Modeschmuck spürbar. In gewisser Hinsicht nahm das Interesse an der Form und der Ausführung am oberen Ende der Preisskala zugunsten des Eigenwerts ab, da die Ringe einen tragbaren Besitz darstellten, der in jedem Land veräußert werden konnte.“ 

Die Emanzipation der Frau in den Golden Twenties: 

Schmuckmode war schon immer eng mit der Kleidungsmode verknüpft. Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 sollte einen radikalen Wandel in der weiblichen Silhouette mit sich bringen. Während dieser vier Jahre waren die Frauen aufgrund des Fehlens arbeitsfähiger Männer gezwungen, Tätigkeiten aufzunehmen, an denen sie zuvor nie beteiligt gewesen waren. Dokumente aus dieser Zeit zeigen, dass sie in Munitionsfabriken, auf dem Feld, in Werkstätten oder in Büros, als Krankenschwestern an der Front oder in Krankenhäusern arbeiteten und sogar Säcke voller Kohle trugen. Bei all diesen Arbeiten mussten sie das Korsett ablegen, das die Brust einschnürte, die Taille verbog und den Bauch zusammendrückte; der Rock, der die Hüften umschmeichelte und sich bis zum Boden ausbreitete oder die Waden und Knöchel bedeckte und das Gehen behinderte; nicht zu vergessen; die breiten Hüte, die an schweren und voluminösen Chignons befestigt waren. Um sich mehr Freiheit zu verschaffen, trugen sie kürzere Röcke, entblößten ihre Arme, schnitten ihre Haare kurz und nahmen ein jungenhaftes Aussehen an. Die Veränderung war spektakulär. 

Zwischen der Restauration der Bourbonenmonarchie von 1814–48 und dem Ersten Weltkrieg war die Kleidung der Frauen, wenn auch unterschiedlich, immer einer ähnlichen Ästhetik gefolgt. Fast hundert Jahre lang waren die Veränderungen in der Mode im Vergleich zu den Zwanzigerjahren kaum wahrnehmbar. Paul Poiret und nach ihm Coco Chanel schufen eine neue Frau: Poiret mit seinen geraden kleinen Kleidern im Directoire- Stil, die kaum durch ein Band unter der Brust unterbrochen wurden, den Körper frei machten und aus leichten Stoffen wie Gaze oder Musselin gefertigt waren, Chanel mit Stoffen und Stilen, die traditionell Männern vorbehalten waren, wie Tweed, Wolle, Maßanfertigungen und Pullover, die sie zu schlichter, eleganter und funktionaler Kleidung verarbeitete. 

Durch den Krieg faktisch emanzipiert, beschlossen die Frauen, dies zu bleiben, und als der Frieden zurückkehrte, interessierten sie sich für den Sport. Hatte es in der Vergangenheit noch von gutem Geschmack gezeugt, Sport mit Verachtung zu behandeln, wie Beau Brummell, die sich vor körperlicher Betätigung fürchtete, weil die heftigen Bewegungen Kleidung und Haare durcheinander brachten und einen dazu brachten, lächerliche Stellungen einzunehmen, so verschrieben sich nun die Frauen der Gesellschaft, die diesen Trend anführten, mit ganzem Herzen dem Sport und entdeckten die Freuden der frischen Luft. Für die Leser der Modemagazine Fémina oder Vogue haben Fotografen die elegante Frau verewigt, die mit dem Schläger in der Hand über einen Golfplatz schreitet oder im Badeanzug an einem modischen Strand unterwegs ist. In einer Bildunterschrift unter einem Foto hieß es: „Frau Joubert ist ganz im weißen Trikot gekleidet und legt einen gewaltigen Drive hin ...“ Sie berichteten von nichts anderem als den Jahreszeiten an der Riviera, in Biarritz und in Deauville. Die Wagemutigeren übernahmen selbst das Lenkrad von Sportwägen und Limousinen. 

Die Gravuren und Fotos zeigten den neuen Typ Frau, für die Kleider und Maßanfertigungen gedacht waren: Noch nie war die Silhouette so lang, so flach, die natürlichen Rundungen des Körpers so weit unterdrückt, wie es die Natur nur zuließ. Armand Lanoux skizzierte 1925 in Paris die neue Frau: „Von der Schulter bis zu den Hüften ist die Frau ein Rechteck, von der Taille bis zu den Knien ein Trapez, das zur Basis hin schmaler wird“. Kurz geschnittenes Haar lässt den rasierten Nacken erkennen. An ihren Ohren hängen schwere Schmuckimitationen. Der Glockenhut verbirgt die Haarkappe bis auf eine Locke, die über der linken Augenbraue hängt. 

Die modischen jungen Mädchen machten es ihren Müttern nach und verschlangen La Garconne von Victor Marguerite, das ein großer Erfolg war und mehr als 100.000 Exemplare verkaufte. Wie ihre Heldin befreiten sie sich, verwendeten zu viel Make-up, verpassten sich schwarz umrandete Augen und purpurrote Lippen und rauchten in der Öffentlichkeit, wobei sie lange Zigarettenspitzen aus Bernstein oder Schildpatt benutzten. Für diese neue röhrenförmige Frau präsentierten die großen Couturiers – Madeleine Vionnet, Jeanne Lanvin, Jean-Charles Worth, Callot, Jenny, Coco Chanel und Hei – Models mit eindrucksvollen Namen: 200 à l’heure.

Das Hemdblusenkleid wich nach verschiedenen Wandlungen den Nachmittagskleidern, Maßanfertigungen und weiten, gesteppten Mänteln, die weder die Bewegung noch den Gang einschränkten. Für dynamische, geschwindigkeitsbegeisterte Frauen, die vom Tennisplatz zum Thema dans ant übergingen, musste eine andere Art von Schmuck empfohlen werden. 

Die damaligen Formen erforderten Schmuck mit einfachen Linien, schlichtem Design und lebendigen Farben, um die Details eines Outfits hervorzuheben oder es zu vervollständigen.  

Die Zwanzigerjahre boten den Designern somit die Möglichkeit, ihr Repertoire an Formen in Verbindung mit modischen Kleidungsstilen zu erneuern. Man muss nur die Silhouette einer Frau in Krinoline, Trubel oder gepolsterten Hüften mit der einer Frau aus den Zwanzigern mit ihrem androgynen Aussehen vergleichen, um logischerweise eine der Hauptursachen für die Renaissance der Bijouterie-Joaillerie zu verstehen. 

Die moderne Frau- die Garconne: 

1922 schrieb Victor Margerite seinen Skandalroman La Garconne, der sofort zum Bestseller wurde und in dreizehn Sprachen übersetzt wurde. Die androgyne
„Heldin“ Monique, die nachts im Pariser Nachtleben schwelgte und zahlreiche erotische Abenteuer erlebte, tagsüber aber als Inhaberin eines Dekorationsgeschäfts ihre berufliche Trägheit unter Beweis stellte, wurde zum literarischen Prototyp der modernen jungen Frau, der Garconne: Monique wurde zu einer einflussreichen Stilgestalterin der Nannies Folles, weit über die Grenzen Frankreichs hinaus.“ 

Der Erste Weltkrieg führte Frauen in die Arbeitswelt ein. Bestimmte Arbeiten, etwa die Fließbandproduktion in Rüstungsbetrieben, beschleunigten die Befreiung der Frauen von der einengenden Kleidung und gaben ihnen eine Freiheit, die sie nach dem Krieg nicht mehr aufgeben wollten. Außerdem bestand die Notwendigkeit, schwere Stoffe für die Truppen einzusparen, was die Akzeptanz einer weicheren, schlankeren Silhouette bei Frauen beschleunigte. Die Einführung leichter Materialien wie Viskose und Musselin hatte Auswirkungen auf die Gestaltung von Schmuck. Neue, leichtere Designs, oft in Platin gefasst, ersetzten schweren Schmuck, den leichte Stoffe nicht tragen konnten. 

Passend zum eleganten neuen Look wurden die Frisuren kürzer, was den jungenhaften Garconne-Look einleitete. Diese Veränderungen in der Haarmode hatten auch direkten Einfluss auf das Schmuckdesign. Kurz frisiertes Haar legte beispielsweise die Ohren und den Hals frei, was die Einführung von Ohrhängern ermöglichte, die 1929 lang geworden waren. Der Glockenhut, der im Winter 1923 Einzug hielt, war ein weiteres Symbol der Art-Déco-Zeit. Es bedeckte den Kopf vollständig von den Augenbrauen bis zum Nacken und wurde mit einer Broschenschnalle oder einem Hutabnäher befestigt. Da lange Haare oder zu einem Dutt oder Dutt zurückgesteckte Haare ihre Form verzerrten, schnitten Frauen ihre Haare in die neuen Bobs und Schindeln. Dies wiederum machte große Kämme überflüssig und ohne Glockenhut verschönerte die moderne neue Frau ihr kurzes Haar mit Haarspangen aus Steinen, die sie flach am Kopf trugen, oder mit einem Bandeau. Letzteres wurde als Abendgarderobe am Haaransatz getragen oder wie ein Heiligenschein auf dem Scheitel zurückgesetzt. 

Das typische Kleid dieser Zeit war ärmellos, so dass der Schmuckdesigner freie Hand bei der Verzierung des Handgelenks und des Oberarms hatte. 

Es entwickelten sich verschiedene Arten von Armbändern. Am beliebtesten waren flache, flexible schmale Bänder, die mit kompakten stilisierten Blumenmustern, geometrischen Mustern oder exotischen Motiven verziert waren. Gerne wurden vier von fünf davon zusammen getragen. Gegen Ende der 1920er Jahre wurden diese Bänder breiter. Große quadratische Glieder aus Korallen, Bergkristall, Onyx und Pflasterdiamanten wurden mit Smaragden, Rubinen, Saphiren und anderen Cabochon-Edelsteinen akzentuiert.“ 

Art Déco durch Kolonien und Globalisierung: 

„Als Art-Déco-Künstler und -Designer in der Vergangenheit Inspiration brauchten, suchten sie weit und breit. Für die Entwicklung einer Art-Déco-Ästhetik wurden zahlreiche Quellen erfasst. Dazu gehören afrikanische Stammeskunst, altägyptische Kultur, assyrische Kunst, mittelamerikanische Kunst und Architektur sowie die östliche Exotik von Sergei Diaghilews (1872-1929) Ballets Russes. 

Das Interesse an afrikanischer Stammeskunst im Europa des frühen 20. Jahrhunderts war untrennbar mit der jüngsten Periode der kolonialen Expansion verbunden. Eine Auswahl an Stammeskunst wurde häufig auf Kolonialexpeditionen gesichtet und in speziell dafür vorgesehenen Bereichen in den großen internationalen Ausstellungen der damaligen Zeit gezeigt. 

Problematisch ist außerdem der Zusammenhang mit der Entstehung stereotyper Darstellungen afroamerikanischer Künstler Das berüchtigtste Beispiel dafür sind die Kostüme, Bühnenbilder und Plakate, die für die 1925 im Théâtre de Champs-Élysées aufgeführte Produktion der Revue Nère mit der Sängerin und Tänzerin Josephine Baker entworfen wurden. 

Neben der Faszination für die afrikanische Stammeskultur griff Art Déco auch stilistische Motive aus der altägyptischen Kunst und Architektur auf. Im Jahr 1922, in einem entscheidenden Moment in der Entstehung des Déco-Stils, war die Welt von der Nachricht über die Entdeckung des Grabes von Tutanchamun durch den Archäologen Howard Carter fasziniert. Mit dem plötzlichen Tod von Carters Sponsor Lord Carnarvon und der Verbreitung apokryphischer Geschichten über einen möglichen Fluch erlangte diese Faszination ein zusätzliches Maß an Mysterium und Intrige. Noch wichtiger ist, dass der riesige Schatz, der im Grab gefunden wurde, fast ein Jahrzehnt lang in aller Mund blieb, da die Objekte nach und nach ans Tageslicht gebracht und einem gespanntem Publikum enthüllt wurden.“ 

„In der Zeit des Art Déco befreiten sich Juweliere von der traditionellen Auswahl an Steinen, Metallen und Techniken, die ihnen im 19. Jahrhundert zur Verfügung standen. Ein Großteil des Verdienstes für diese Befreiung war tatsächlich der revolutionären Arbeit der Jugendstil-Juweliere um die Jahrhundertwende zu verdanken. Pioniere wie René Lalique, Philippe Wolfers und Georges Bouquet zeigten mit ihren exquisiten Schmuckstücken, dass der wahre Wert eines Stücks nur auf der Qualität seines Designs und seiner Form und nicht auf seinem Selbstkostenpreis beruhen kann. Viele innovative Materialien wie Horn, Schildpatt und Elfenbein wurden in die traditionelle Palette des Juweliers aufgenommen. 

Dieses Konzept wurde von der nächsten Generation von Juwelieren bereitwillig akzeptiert, die, nachdem sie diese Ideen aufgegriffen hatten und gleichzeitig von der wachsenden Popularität des Orientalismus und des Ägyptismus beeinflusst wurden, begannen, Jade, Koralle, Lack und Emaille immer regelmäßiger in ihre Designs zu integrieren. 

Eine wichtige technische Entwicklung, die die schlanken Kreationen der Art-Déco- Juweliere ermöglichte, war die zunehmende Verfügbarkeit von Platin. Es wurde ursprünglich Mitte des 18. Jahrhunderts in Südamerika entdeckt und erwies sich als äußerst flexible und dennoch widerstandsfähige Alternative zu Gold oder Silber. Im Gegensatz zu den Materialien des vorigen Jahrhunderts, bei denen die Steine in deutlich sichtbaren Fassungen eingefasst waren, ermöglichte die Stärke von Platin den Art-Déco- Juwelieren, Stücke mit immer filigraner wirkenden Fassungen zu entwerfen. Platin hatte eine silbergraue Farbe und wurde ebenfalls bevorzugt, vor allem bei den innovativeren Juwelieren dieser Zeit, wegen des scharfen Kontrasts, den es erzeugte, wenn es neben Diamanten oder schwarzer Emaille platziert wurde.“ 

Die Perle, das Juwel des Art Déco: 

„Es war die Perle, die zum dominierenden Juwel dieser Zeit wurde. Im 19. Jahrhundert wurden orientalische Perlen wegen ihrer Seltenheit geschätzt. George Gould, Sohn des Eisenbahnmagnaten Jay Gould, soll 500.000 Dollar für eine Perlenkette als Geschenk für seine Frau ausgegeben haben. Nachdem Mikomoto in Japan eine Technik zur Herstellung von Zuchtperlen entwickelt hatte, standen Perlen jedoch einem breiteren Markt zur Verfügung. Sie konnten mit anderen Steinen besetzt, in Halsketten um den Hals oder einzeln getragen werden und wurden zu beliebten Accessoires für jeden Anlass. 

Ein Beweis für die Beliebtheit von Perlen in den 1920er Jahren ist das folgende Zitat aus der Zeitschrift Vogue: „Tag für Tag sah ich die arme Regina in diesem Lido (Strand) herumbraten, während ihr Hals braun wurde.“ Das tat sie natürlich wegen ihrer Perlen.“ 

Ende und Wiederentdeckung des Art Déco: 

„Für einen Stil, der von der „Unruhe und Ungeduld der Zeit“ geprägt war, hatte Art Déco eine überraschend lange Lebensdauer, die sich über drei Jahrzehnte erstreckte. Doch mit dem Zweiten Weltkriegs war es weitgehend vorbei. Die Desillusionierung über die Ergebnisse der Sozialplanung ermutigte die Wohlhabenden, wirtschaftliche Unterschiede zur Schau zu stellen, und andere dazu, nach „alternativen“ Mitteln der Selbstdarstellung zu suchen. Das neue Interesse an Art Déco wurde durch den Aufstieg der Gegenkultur angeheizt, die neben der Populärkultur auch Individualismus, Jugend und befreite Sexualität feierte. Das Deco-Revival wurde durch Ausstellungen und Veröffentlichungen und – genau wie der ursprüngliche Stil – durch die Assoziationen mit Mode, einer boomenden Einzelhandelskultur, Filmstars und jugendlichem Glamour gefördert. 

In der Praxis wurde Art Déco genau zu dem Zeitpunkt wiederentdeckt, als sich ein negatives Bild über den Modernismus durchsetzte und der Wunsch nach Ausdruck der Fantasie weit verbreitet war. Ungefähr drei Jahrzehnte lang bot Art Déco – entsprechend seiner ursprünglichen Lebensdauer – eine Ressource, die es zu nutzen galt, um symbolische und dekorative Werte sowie Glamour und Witz zum Ausdruck zu bringen. 

Der Aufstieg, Fall und die Wiederentdeckung des Art Déco bieten nützliche Lehren zur Geschichte des Stils, zum Stellenwert der Theorie und zur Rolle der Künste in der Gesellschaft. Das Deco-Revival und die Entwicklung einer kritischeren und menschlicheren Sicht auf den Modernismus, geprägt vom Feminismus und Poststrukturalismus, haben den Raum geschaffen, einen „Entweder-Oder“-Ansatz zum Modernismus und seinem dekorativen „Gegenstück“, Art Déco, durch „ Sowohl-als- auch‘. Art Déco kann nun weder als ‚falscher‘ Modernismus noch als entwerteter Klassizismus verstanden werden, sondern als eine andere Antwort auf die gleichen Zwänge der zeitgenössischen Welt.“ 

„Die Zwischenkriegszeit war ein glamouröses, pulsierendes Zeitalter. Art Déco war ein neuer Stil, der diese Ära verkörperte und jeden Aspekt des Lebens durchdrang. Es zeichnete sich durch klare Linien, stilisierte Blumen und geometrische Muster aus und war funktional und modern. 

Designer dieser Zeit feierten die Moderne, ließen sich jedoch von der Antike inspirieren. Gleichzeitig beeinflussten Aspekte des Maschinendesigns die Schaffung von Alltagsgegenständen und förderten den Einsatz neuer Materialien wie Bakelit und Chrom.

Schmuckdesign wurde auch im Art-déco-Stil zu einer spannenden Disziplin. Die dünnen, zarten Kreationen der frühen 1920er Jahre wichen gewagteren, größeren Designs mit geometrischen Formen und brillanten Farbschemata. Starke Kontraste wurden mit Schwarz und Weiß erzielt, verkörpert durch Onyx und Diamanten.“  

„Art Déco orientierte sich an den französischen Traditionen der Eleganz und Qualität und reagierte gleichzeitig auf die neuen Anforderungen des Lebens in einer modernen Gesellschaft. Es war ein Hybridstil. Es weckte den Wunsch nach satten, heißen Farben; „Orientalische“ und Blumenmotive, dynamische geometrische Formen, kombinierte Verwendung von Metallen, Hölzern, Lack und Glas. Der Couturier veränderte die Silhouette der modischen Frau – der „Garconne“-Look befreite sie. Der Schwerpunkt lag auf Geschwindigkeit, Praktikabilität, Platz und Licht. Kontrastierende Farben und Muster zeugten noch vor wenigen Jahren von unvorstellbar schlechtem Geschmack. Führende Dekorateure haben ihren Geschmack für raffinierten Luxus einer wohlhabenden Klientel nährgebracht, die so kultiviert war, dass sie den Handwerkern die nötige Zeit für die Gestaltung und Umsetzung ließen und dabei nur die höchsten Qualitätsstandards verwendeten.“  

„ Art Déco – der Begriff erinnert an Juwelen von Van Cleef & Arpels, Glaswaren von Lalique, Möbel von Ruhlmann – lässt sich am besten in der Arbeit veranschaulichen, die auf der Ausstellung gezeigt wurde, die dem Stil seinen Namen gab: der Exposition Internationale des Art Décoratifs et Industries Modernes, fand 1925 in Paris statt. Die exquisite Handwerkskunst und Kunstfertigkeit der ausgestellten Objekte zeugten von einer anspruchsvollen Moderne, waren jedoch in vergangenen Traditionen verwurzelt. Obwohl Art Déco sich schnell auf andere Länder ausbreitete, fand es seinen stimmigsten Ausdruck in Frankreich, wo ein reiches kulturelles Erbe als Anstoß für die Schaffung von etwas Neuem genutzt wurde. Der Stil stützte sich auf so unterschiedliche Inspirationen wie Mode, avantgardistische Trends in der bildenden Kunst – wie Kubismus und Fauvismus – und eine Vorliebe für das Exotische, die alle in diesen außergewöhnlich luxuriösen und innovativen Objekten zusammenliefen. Während die zeitgenössische Praxis des Art Déco mit dem Zweiten Weltkrieg endete, hat das Interesse daran nicht nur bis heute angehalten, sondern ist auch stetig gewachsen.“